Freie Essays Mode

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Mode und Architektur

Schlüsselwörter: Mode, Architektur, qualitativ, Interviews

Der Körper kann gesehen und gedacht werden als eine Maschine, ein Fahrzeug, sowie ein Gebäude.

Man könnte also sagen, dass die Kleidung eines Individuums eine Definition von persönlichem Raum darstellt, wie auch architektonische Strukturen, obwohl sie größer sind. Mode und Architektur haben viele Verbindungen: Beide zielen darauf ab, dem Menschen Schutz zu bieten und unseren Geschmack widerzuspiegeln. In diesem Konzept wird weithin akzeptiert, dass die Beziehung zwischen Mode und Architektur mit den frühesten Männern begann, die das gleiche Material für ihre Kleidung und für Unterkunft / Unterschlupf verwendeten.

Diese Beziehung hat zu engeren Verbindungen zwischen den beiden Disziplinen geführt, so haben beide Bereiche Gemeinsamkeiten in ihrem Designprozess, die sie die gleichen Grenzen teilen: Sowohl Architekten als auch Modedesigner streben danach, perfekte, komfortable und schöne Formen für den menschlichen Körper zu schaffen.

Auf der anderen Seite, Architektur und Mode unterscheiden sich in vielerlei Hinsicht, wie, Mode ist unvermeidlich zu sterben in kürzerer Zeit als Architektur, es ist mit kleineren Maßstab verbunden, und vor allem, Mode ist mehr über Marketing und Verbrauch während Architektur ist monumental und bezieht sich auf die Ewigkeit.

Diese Unterschiede schaffen insgesamt einen Weg der Kommodifizierung und Kommerzialisierung für die Architektur. Architektur fungiert als Raumgestalter, d. H. Sie fungiert als symbolische Metapher und als Vermittler der kulturellen Werte der Gesellschaft. Da der Weltraum unsere inneren Räume widerspiegelt, könnte diese Kommodifizierung und Kommerzialisierung dazu führen, dass die Architektur ihre Mission im sozialen Leben verliert.

Daher legt diese Arbeit nahe, dass sich Architektur in menschliche Räume, Traditionen und kulturelle Werte der Gesellschaft, Nachhaltigkeit, Ewigkeit und Ganzheit des Lebens statt Zeitlichkeit der Mode engagieren sollte.

Diese Master-Dissertation zielt darauf ab, die Beziehung zwischen Architektur und Mode aus Begriffen, Bildern, Materialität und globalen Perspektiven zu erforschen. Diese Studie schlägt vor, dass es in der heutigen stark globalisierten Welt fast unmöglich ist, Architektur unabhängig von der Mode zu praktizieren, da beide Künste auf die Kultur und Umwelt der Individuen und der Gesellschaften reagieren.

In einem konzeptionellen Sinne adressieren sowohl Architektur als auch Mode psychologische Wahrnehmungen und räumliche Strukturen. Von der bildlich - visuellen Sicht des Punktes reflektieren beide Künste den Geschmack der Personen, die diese Räume besetzen, und aus dem Materialitätskontext haben Architektur und Mode viele Gemeinsamkeiten, wie etwa die Verwendung von Stoffen und Materialien, den Einsatz von Technologie und Aus globaler Sicht haben Kunst und Künstler in diesen Bereichen die Möglichkeit, in besonders sozial responsiver, nachhaltiger und ökonomischer Gestaltung eng miteinander zu interagieren.

Die Arbeit versucht, die Rolle der Mode in der Architekturgestaltung und Visaverdichtung aus explorativen und interpretativen Perspektiven zu untersuchen, indem sie vorläufige Ergebnisse der Literaturstudie, visuelle Materialien, Manifeste der Designer sowie persönliche Beobachtungen und Interpretationen präsentiert. Diese Studie unterscheidet sich von den früheren Studien in dem Sinne, dass, obwohl ein großer Teil der Literatur herausfindet, dass die Beziehung zwischen Mode und Architektur fast ein Muss und unvermeidlich ist und sie engere Beziehungen vorschlagen, diese Studie ein Risiko für die Architektur darstellt von der Konzeptualisierung abzuweichen und sich in Richtung Kommerzialisierung und Kommodifizierung zu bewegen.

Auf diese Weise wird Architektur zur Konsumproduktion und nicht zur Rauminterpretation.

Diese These wird weiterentwickelt, um unsere "Modische Hütte" zu entwerfen. Architektonisch wollen wir die zeitlose Architektur repräsentieren, die auf die Aktualität der Zeit zugeschnitten ist.

Einführung

Die enge Beziehung zwischen Architektur und Mode (im Folgenden A & F) bezieht sich oft auf die Verwendung des gleichen Materials für die Bedeckung seines Körpers und für den Schutz des frühesten Menschen.

Die jüngste Ausstellung zu dieser Beziehung Skin + Bones (24. April - 10. August 2008) hat auch mehrere parallele Praktiken zwischen diesen beiden Disziplinen von 1980 bis heute untersucht. Diese Praktiken umfassten den digitalen Entwurfsprozess, die Verwendung komplexer Geometrien, Farben, Linien, Lichter usw. Die Globalisierung, die weithin als Fortschritt in der Technologie, insbesondere bei Transport und Kommunikation, akzeptiert wird, ermöglichte es A & F, mehr Möglichkeiten für Design und Flexibilität zu entwickeln Anwendung.

Ein Ziel dieser Dissertation ist es daher, die Gemeinsamkeiten und Wechselbeziehungen zwischen Architektur und Mode in einem globalen Konzept zu erforschen. Tatsächlich ist diese Idee aus der Beobachtung des parallelen Wachstums von Materialität und Identifikation in Mode- und Architekturentwürfen und -implementierungen entstanden.

Wie das Hauptargument dieser Masterarbeit zeigt, könnten diese engen Synergien zwischen den beiden Disziplinen jedoch das Risiko der Kommerzialisierung und Kommerzialisierung in der Architektur schaffen, und Architektur könnte nicht eine Ideologie, sondern ein Konsumprodukt werden.

Der Grund für diese Idee ist, dass Mode Vermarktung von Begehren ist, während Architektur monumental ist; die Mode ist dazu bestimmt, in kurzer Zeit zu sterben, während die Architekten die Ewigkeit über ihre Werke anstreben; und am wichtigsten ist, dass Mode ein Werkzeug ist, um sich der Gesellschaft anzuschließen, ein Teil davon zu sein, während Architektur Privatsphäre bietet, d.

h. Isolation vom Rest der Welt.

Unser Hauptargument ist, dass die enge Beziehung zwischen A & F ein Risiko für die Architektur darstellen könnte, die die architektonische Ideologie nur auf das Fassaden- und Außenbild reduziert.

In Bezug auf die Beziehung zwischen A & F nehmen wir konzeptuelle, visuelle Bilder und zeitgenössische Ansätze der Globalisierung in Betracht, um die synergetische und disharmonische Beziehung zwischen den beiden Bereichen zu erforschen.

In der konzeptuellen Erkundung werden zuerst die Konzepte der Schönheit und ihrer Beziehung zur Architektur erforscht, um gemeinsam das Ziel der Mode und der Architektur herauszufinden, um den schönen oder perfekten Unterschlupf und die Wohnung für den Menschen zu schaffen.

Aus konzeptioneller Sicht spiegelt A & F den Geschmack, die Identität und die Kultur des Individuums und der Gesellschaft zu einer bestimmten Zeit wider. Jedoch ist diese Zeit für Mode im Vergleich zur Ewigkeit der Architektur sehr kurz. "Wenn Stil die Sprache der Architektur ist, repräsentiert Mode die weit - und - wirbelnden kulturellen Strömungen, die diese Sprache formen und lenken", sagt Rybczynski, "der architektonische Ruf und die Architektur stehen im Trend der Mode.

Daher ist die Mission der Architektur im Grunde genommen die Anwendung eines Stils auf einen Raum, um unseren Geschmack auszudrücken.

Auf der Identitätsseite ist das von Barthes (1983, 277) beschriebene Modesystem ein "kulturelles Objekt, mit seiner eigenen ursprünglichen Struktur und wahrscheinlich mit einer neuen Endgültigkeit . durch die Sprache, die fortan dafür verantwortlich ist, wird Mode Erzählung". Mode manipuliert daher die visuelle Sprache als ein Mittel, die Identität von Individuen im Besonderen und die Kultur der Gesellschaft im Allgemeinen zu reflektieren, während die Architektur im weiteren Sinne über die Manipulation der visuellen Sprache hinausgeht, aber im Hinblick auf die Manipulation des Konzepts ausgefeilter ist von dem ganzen Raum.

Mode ist gewissermaßen ein Spiegelbild der kollektiven Identität einer bestimmten Gruppe, wie etwa gleiches Geschlecht, Altersgruppe, Berufsgruppe usw., während Architektur für jeden in einer bestimmten Gesellschaft ist.

Während die Mode von den Individuen geprägt wird, prägt Architektur die Gesellschaft durch die räumlichen Anwendungen. Zusammengefasst kann Mode als die Wand des Körpers beschrieben werden, während Architektur der Körper selbst und die Wohnung ist, die diesen Körper umgibt.

Im visuellen und bildlichen Ansatz hat A & F mehr Gemeinsamkeiten, insbesondere mit den Entwicklungen in den Material- und Digitaltechniken, wie High-Tech-Textilien, biegsamen Baumaterialien, CAD-Software (Computer Assisted Design) und all dem.

Eine häufig beobachtete zeitgenössische Tatsache, dass Architektur und Mode beide die Verwendung biegsamer und flexibler Materialien genießen, die es Architekten wie Zaha Hadid und Rem Koolhass ermöglicht, Falttechniken von Modedesignern und Modedesignern wie Lucy Orta und Yeohlee zu entlocken Englisch: www.db-artmag.de/2003/8/e/2/63.php Diese Anleihen werden heute jedoch so häufig beobachtet, dass die Gefahr besteht, dass die Architektur auf die Fläche reduziert wird und die Harmonie zwischen dem Inneren und dem Äußeren der Struktur fast verloren geht wird weiter untersucht und im Globalisierungskonzept diskutiert).

Aus heutiger Sicht werden mehrere Themen untersucht: Man kann sagen, dass zeitgenössische Bedingungen, wie computergestützte Designs, flexible und dauerhafte Materialien, Technologie und Kommunikationsmittel, die fast jedem auf der Welt als treibende Faktoren zur Verfügung stehen, Mode, Architektur und andere Wissenschafts- und Kunstzweige interagieren besser als früher.

Die heutige Zeit ist natürlich nicht ohne Probleme: Umweltprobleme, begrenzte Quellen (wie Energie und Wasser), globale Erwärmung, Immigration und Bürgerrechte und so weiter. Hier wird festgestellt, dass zeitgenössische Designer [1] mehr sozial verantwortlich sein und in diesen Fragen mehr interagieren sollten. Das heißt, Design sollte nicht so schnell konsumiert werden, Designer sollten umweltbewusster und sozial ansprechender handeln, Gleichheit in globalen Städten könnte eine Katastrophe auslösen, Kommodifizierung und Kommerzialisierung sollten vermieden werden, die Harmonie zwischen den inneren und äußeren Oberflächen und Wohnungen sollte nicht zu vermeiden.





Wenn dies aufgrund der Massenmedien und Massenproduktion nicht möglich ist, dann ist die Architektur unvermeidlich, die in unserer "Modischen Hütte" vertreten ist. Aus einer einfachen Perspektive ist die Rolle der Mode in der Architektur besonders auf den Oberflächen und Fassaden, Oberflächen und Applikationen hartnäckig. Der Zweck dieser Untersuchung besteht darin, der typischen Beziehung zwischen F & A zu widersprechen. Die Position dieser These ist, dass die Architektur zu ihrer frühesten Form zurückkehren sollte.

Diese Idee wird weiterentwickelt mit der Design-Komponente, die versucht, einen tragbaren Raum zu schaffen, um die Oberfläche im Einklang mit der Bekleidungsmode leicht zu verändern. Die architektonische Untersuchung konzentriert sich auf die Frage: Kann Architektur eher gestaltet als konzeptualisiert werden? Der Rest der Arbeit ist wie folgt katalogisiert.

Dissertationserklärung

In dem sich ständig verändernden Umfeld von heute werden Kunstfelder und Designer von einander beeinflusst.

Wenn es um die Interaktionen zwischen Mode und Architektur geht, geht diese Beziehung jedoch schon in der Eiszeit zurück. Diese Dissertation untersucht drei Dimensionen von A & F-Interaktionen mit besonderem Interesse für den afrikanischen Einfluss auf die Moderne: Kultur, visuelle Bilder und globales Konzept, wobei jedes von ihnen einzelne Abschnitte während der gesamten Arbeit durchführt.

Ziele

Mode und Architektur haben viele Parallelen in Bezug auf ihre Ziele und die Verwendung von Skalen zusätzlich zur Verwendung von Farben, Winkeln, Licht usw.Das Ziel dieser Dissertation ist zweifach: die Beziehung zwischen A & F aus den vergangenen Praktiken zu verstehen und eine Struktur zu entwerfen, die die Zeitlosigkeit der Architektur im Vergleich zum kurzen Leben der Mode repräsentiert.

Methodik

Wie bei vielen Kunst- und Humanitätsstudien ist das Wesen dieser Dissertation eine qualitative.

So werden Daten zusätzlich zu Analysen von Ausstellungen, Sammlungen, Entwürfen und Strukturen durch Quellen wie etwa Werke, Websites und Interviews von Designern gesammelt.

Hintergrund: Ursprünge

In der Klischeeform besteht die Beziehung zwischen diesen beiden Disziplinen darin, dass der früheste Mann die gleichen Materialien benutzt, um sich selbst zu schützen und seinen Körper zu bedecken.

In seiner simpelsten Beschreibung begann der Bau mit dem frühesten Mann, der für ihn einen Unterschlupf baute, und so begann der Bau, als er seinen Körper bedeckte (mit dem gleichen Material). Die Entwicklung dieser Interaktion, hauptsächlich aus Sempers Standpunkt, wird im theoretischen Kapitel dieser Arbeit diskutiert.

Vorerst wollen wir die Mode von der Kleidung und der Architektur von der Konstruktion unterscheiden, indem wir auf ihre Bedeutung verweisen.

Das Wort Mode kommt vom lateinischen Wort facia, das bedeutet, etwas zu machen oder eine bestimmte Form zu geben (Kawamura, 2005, S. 3). Obwohl Mode vor allem Kleidungstrends ausdrückt, insbesondere Frauenbekleidung [1] jedoch in einem breiteren Sinne (und zum Zweck dieser Studie), bezieht sie sich auf die rasanten Veränderungen der Trends, die besonders nach der Industrialisierung des 19.

Jahrhunderts als aufgetreten sind Ein Ergebnis der Entwicklungen, neue Mode schnell und irgendwie kostengünstig herzustellen. Modekonstrukte wünschen, und es ist ein momentaner Prozess.

Die Architektur hingegen macht nicht einfach die Struktur, wie Colomina sie definiert, "Architektur ist die Interpretation des Raumes". Es ist eine erfahrungsbedingte, interpretative und kritische Konsequenz. Daher ist Architektur ein konzeptueller, ideologischer und philosophischer Denkprozess, der die Vision im Gegensatz zu den visuellen Aspekten der Mode konstruiert.

A & F-Interaktion beginnt auf eine Weise, die Identität eines Individuums anzuzeigen und die perfekte räumliche Oberfläche und Struktur zu schaffen, beide Felder teilen die Idee des "menschlichen Körpers und der Ideen von Raum, Volumen und Bewegung" und auch, weil beide a sind Ebene, die zwischen der Umwelt und dem Körper mit der Fähigkeit kommuniziert, Identität auf der persönlichen, politischen, kulturellen und anderen Ebenen des Lebens und der Gesellschaft zu vermitteln ".

In sprachlicher Hinsicht könnte Mode als "die Visualisierung der Bildidentität beschrieben werden, die die Nutzer der Gesellschaft widerspiegeln wollen". Diese Identität muss nicht unbedingt die wahre Identität der Person sein; Es geht eher darum, was die Gesellschaft über uns denken soll, aber nicht wirklich, was wir im wirklichen Leben sind.

Wenn man Architektur als von Jencks definierte Sprache betrachtet, kann Architektur zeitgleich als Visualisierung unserer REAL Identitäten definiert werden, und Identität verändert sich nicht so oft wie Modetrends.

Wie wir uns heute (und zum Zweck dieser Studie) vorstellen, ist Architektur eine experimentelle, kritische und interpretative Praxis, die nicht nur von der Konstruktion handelt. Daher stammt es aus der griechischen Mythologie des Labyrinths (3 v.

Chr.), Wo Daedalus, der das kretische Labyrinth erbaute, als erster Architekt gilt. Nichtsdestoweniger, aufgrund der interpretativen Natur der Architektur, im Gegensatz zum Mythos, war Daedalus nicht der erste Architekt, da er das Labyrinth baute, aber seine Struktur nicht verstand, Ariadne, der die Struktur mit Hilfe eines Hilfsmittels (eines Fadens) interpretieren sollte gilt als der erste Architekt (Colomina,).

Die Mode hingegen entwickelte sich anders, während die Architektur die Gesellschaft mitgestaltete, die Mode wurde von der Gesellschaft selbst geprägt. Abgesehen von der Kleidung als gewöhnlicher Definition begann die Mode erst im 18. Jahrhundert im Einklang mit dem Handelskapitalismus und beschleunigte sich während und nach der industriellen Revolution, da die Arbeiterklasse sich bemühen konnte, mit der Oberschicht in Bezug auf Kleidung und Kleidung zu konkurrieren oben [2].

Aus historischer Perspektive können wir daher von den Verbindungen zwischen A & F sprechen, die nur die Zeit nach dem 18.





Jahrhundert betreffen. Aber was hat eine solche Beziehung ausgelöst? Mit anderen Worten, wie ist die Architektur im Bereich der Mode kollidiert oder umgekehrt? Im nächsten Abschnitt sollen diese Fragen beantwortet werden, um einen theoretischen Hintergrund für unsere Kritik am heutigen Zustand zu erhalten.

Begrifflichkeit

Die Architekturgeschichte, so stellt sich heraus, war ideal gelegen, um mit der doppelten Konnotation der Mode als der Geschichte der Kleidungsstile und der spezifischeren Verwendung von Mode umzugehen, um den Veränderungsprozeß des Kapitalismus zu bezeichnen.

Weil die um die Jahrhundertwende tätigen Architekten sich direkt mit der Kleidung beschäftigten - entweder als Reformbestreben für das moderne Erscheinungsbild oder als Teil der Szenografie des Interieurs - und weil sie sich intensiv mit der zeitlichen Problematik der Schaffung eines modernen Stils beschäftigten, Debatten verraten eine interessante Verschmelzung von Kleidung als Artefakt und Mode als Prozess, die auf anderen Gebieten Ambiguität erzeugt haben.

Dazu brachten sie ein theoretisches Erbe, das sich mit den Ursprüngen oder der ursprünglichen Grundlage der Architektur als einer Fabrikation von Einfriedung, Obdach oder Wohnung befasste; Analogien zur Körperbedeckung waren Standard, und es wurde postuliert, dass Textilien eine entscheidende Rolle spielten.

Kleid Design war ein Aspekt.

In der Tat könnte die engste Beziehung zwischen A & F als die "absolut schönen Strukturen und Räume" für den Körper erstellt werden.

Um den Raum als Architekt zu interpretieren, sollte man ihn erfahren, und der Mittelpunkt der Erfahrungswelt ist der menschliche Körper.

"Unsere Körper und Bewegungen stehen in ständiger Wechselwirkung mit der Umwelt; die Welt und das Selbst informieren und definieren sich ständig neu ". Dann ist es die Mission der Mode, dem Körper die geeignetsten und bequemsten Beläge zu bieten, um den Raum zu spüren? Während die Bedeutung des Körpers (wie Proportion, Bewegung usw.) von Vitruv in den 20er Jahren betont wurde, war es erst im 20.

Jahrhundert, als das Korsett von der Mode abgeschafft wurde, und in den 1960er Jahren, dass (feministische) Frauen in gewisser Weise ankleiden ihre tatsächlichen Bewegungen zu begrenzen.

Während Körper und Architektur, Körper und Mode so eng sind, versuchten die Architekten auf der einen Seite, wie Wigley betont, der Zeitlichkeit und Sinnlosigkeit der Mode (dargestellt als weibliche Ornamente in der Architektur) in der Moderne durch ihr Urteil zu entkommen diese Mode (im Ornament in der Architektur dargestellt) ist etwas Weibliches und Hässliches, andererseits viele (männliche Architekten) "Henry Van de Velde, Josef Hoffmann, Lilly Reich, Frank Lloyd Wright oder ihre Ehefrauen (Anna Muthesius, Lilli Behrens ) gestaltete Kleidung.

Andere, vor allem Otto Wagner, Adolf Loos und Hermann Muthesius, schrieben über Mode ". Um dieses Paradox zu verstehen, schlägt Kinney vor, die Postmoderne zuerst zu verstehen. In einer reduktionistischen Weise werden wir jedoch der historischen Art und Weise folgen.

Die Metapher des menschlichen Körpers als architektonischer Raum ist kein neuer Begriff; oder es ist kein Konzept, das nur in den Modernismus-Intervallen erschien, es kann zurückverfolgt werden wie Vitruvius [3], der den Körper als Verhältnis zur Struktur erforschte.

Laut Vitruvius kann "kein Gebäude als gut entworfen bezeichnet werden, das Symmetrie und Proportion will. In Wahrheit sind sie für die Schönheit eines Gebäudes ebenso notwendig wie für eine wohlgeformte menschliche Figur, die die Natur so geschaffen hat.

"(De Architectura, Gwilt Translation, 1826, S. 78) [4]. Um den Rhythmus zu erzeugen, sollten Gebäude nach drei miteinander korrelierten Elementen entworfen werden: utilitas, venustas und firmitas [5] (Rasmussen, 1959). Was Vitruv betrifft, sollte architektonisches Design auf die unbestreitbare Perfektion der Symmetrie und der Proportionen des Körpers verweisen [6].

Sogar so,

Das Thema Schönheit war für Vitruv problematisch. Auf der einen Seite machte er Anspielungen auf die harmonischen Verhältnisse der pythagoräischen Musiktheorie, was nahelegt, dass dem Urteil der Schönheit eine höhere kosmische Ordnung zugrunde liegt. Auf der anderen Seite gab er den Architekten das Recht, die Proportionen zu variieren, wenn das "Auge" Korrekturen fordert oder wenn die Kunst Fortschritte macht.

Da die perfekte Schönheit selten in der Natur zu finden ist, wurde daher Ornament, als vermittelndes Element zwischen roher Natur (Materialien) und den Ordnungslinien der Architektur (Mallgrave op cit) benötigt.

Dieses vermittelnde Element zwischen der rohen Natur (Körper) und dem perfekten Look ist Kleidung und Accessoires im modischen Sinne. Wie Ruskin sagt, sollte diese Verzierung "was auch immer Gott geschaffen hat" sein, wie "abstrakte Linien und die ganze Bandbreite von systemisierten organischen und anorganischen Formen". Nach der Wiederentdeckung des Vitruvs im 15.

Jh. Interpretierten die Menschen ihn jedoch auf ihre eigene Weise aufgrund sprachlicher Hindernisse, der modischen ornamentalen "Ausschweifungen" des Rokoko und des Mittelalters der Gotik und vor allem der Renaissance als architektonisches Ornament stark auf die menschlichen Figuren angewiesen. Das 18. Jh. Ist als stark ornamentaler Gebrauch gekennzeichnet (speziell menschliche Figuren, Laugier (1755) wurde erst in der Moderne angesprochen).

Lassen Sie uns nicht in Verzierungen reichlich sein, lassen Sie uns viel klar, etwas nachlässig, mit dem eleganten und großartigen, lassen Sie uns gemeinsam von der Nachlässigen zur Ebene, vom Einfachen zum Eleganten, vom Eleganten zum Großartigen gehen : Manchmal gehen wir kurz von einem Extrem zum anderen durch Opposition, deren Kühnheit den Kampf trifft und sehr groß werden kann.

Diese starke Abhängigkeit von Ornament sollte in einer Weise gewesen sein, die kein Dilemma zwischen dem Gebrauch und der Beschwörung des Ornaments gewesen wäre, was Winckelmann am besten widerspiegelt [7] (1755).

Einmal stellte er fest, dass "Gleichheit oder Monotonie als Mängel in der Architektur, die ohne Dekoration entstehen und wie ein gesunder Mensch sind, der zur Armut reduziert wird, etwas, das niemand als etwas Gutes ansieht", später schlug er vor, dass Schönheit durch " Einfachheit und Gelassenheit "(hauptsächlich von den griechischen Designern).

"Allein die Griechen scheinen Schönheit hervorgebracht zu haben, wie ein Töpfer seinen Topf macht" (weil die Griechen der Natur nahe waren und sie es kopiert hatten), die er diese Schönheit als edel bezeichnet (Lefaivre & Tzonis, 2004, S.

369-370) ). Während Winckelmann irgendwie vage zwischen der verzierten und vereinfachten Schönheit war, war sein zeitgenössischer und Hauptherausforderer -Italienischer Architekt- Giovanni Battista Piranesi klar über die absolute Schönheit, die als das Konzept des "Erhabenen" über die "Schönheit" in der Hierarchie gestellt wurde. Aus architektonischer Sicht unterstützte Piranesi "stark ornamentierte spätrömische römische Architektur im Gegensatz zu den Rigoristen".

Auch Owen Jones, der als einer der einflussreichsten Designtheoretiker und Architekten des 19. Jahrhunderts gilt, glaubt, dass Ornament und Proportionen der architektonischen Perfektion dienen sollten.In seinen Worten: "Bau sollte geschmückt werden . Wie in jedem vollkommenen Werk der Architektur wird eine wahre Proportion zwischen allen Mitgliedern herrschen, die es zusammensetzen, so sollte in allen dekorativen Künsten jede Assemblage von Formen in bestimmten bestimmten Proportionen angeordnet werden; das ganze und jedes einzelne Glied sollte ein Vielfaches einer einfachen Einheit sein .

jedes Ornament entsteht ruhig und natürlich von der Oberfläche her verziert. Das heißt, die ideale Schönheit bis zum 18. Jahrhundert wurde durch Proportion, Symmetrie und Rhythmus repräsentiert, die natürlich im menschlichen Körper gefunden wurden.

In dem kurzen Raum einer einzelnen Sektion eines solchen bescheidenen Studiums kann man wenig über die weite Skala der gesamten Debatte über Schönheit, Ornament, Natur und all die oben besprochenen Probleme sagen [8].

Vielmehr wollen wir einen kurzen Hintergrund für die engere Beziehung zwischen Kleidung und Architektur unter besonderer Berücksichtigung von Sempers Dressing-Theorie, Sullivans "Nude Buildings" und Loos 'absoluter Ablehnung von Ornament in Körpern und Gebäuden bieten, die grundlegende Veränderungen in Kleidung und Kleidung bewirken Stil [9] auch in der Moderne.

Identität

Gottfried Semper, der mit seinen Vier Elementen der Architektur die vitruvianischen Hochideale brach, könnte als der Erste gelten, der direkt auf die A & F-Verbindung hinwies, obwohl er wohl die Architektur zur Wand und zum Dach reduziert hätte, indem er nur die Anwendung der Evolution betonte Theorie zu diesen Strukturen.

Laut Semper entwickelte sich die Idee der Mauer aus der Abfolge der räumlichen Einfriedung und den Stadien der Evolution: primitive Leinwand oder gewebte Matte, dann Metallumhüllung und schließlich Teppiche, deren bunte Bilder auf die Oberfläche des Mauerwerks aufgebracht wurden evozieren ein Gefühl der Monumentalität.

Des Weiteren entwickelte Semper seine "Theory of Dressing", die auf zwei Aspekte abzielte: Erstens, um die Bedeutung der Textilindustrie für die Ursprünge der Architektur zu unterstreichen, und zweitens beschäftigte sich Semper mit der Schwierigkeit der künstlerischen Verwendung von Eisen in der monumentalen Architektur.

.

Unter ihnen untersuchte der Wiener Architekt Otto Wagner das Verhältnis von Architektur und Mode in Theorie und Praxis. Sein Zeitgenosse Adolf Loos ist jedoch vor allem für sein Interesse an Mode bekannt (wie Sempers Ideale weiterführen und umsetzen) und für absolute Ablehnung und Obsession mit dem Ornament im menschlichen Körper und in Gebäuden.

Es muss hier angemerkt werden, dass, während Primitivismus Einfachheit und Purismus für Semper, jedoch Loos nahm es als unzivilisierte Welt (für ihn Papuas Bezug auf Afrika). Er (Loos) betonte, dass je mehr Schmuck der Mensch benutzt (wie Tattoos und Piercings), desto wahrscheinlicher ist, dass er ein Verbrechen begeht. Auch Architekten wie Le Corbusier, Hermann Muthesius und Peter Behrens sahen das Gebäude als schön gestalteten Körper und schätzten so Loos 'Unterricht in Sachen Dressing und Bauen.

Der Modernismus, vor allem im Sinne von Le Corbusier, zielte darauf ab, das utopische Leben zu beenden, indem er die mittelalterlichen Ungleichheiten der sozialen Klassen beseitigte, den Unterschied zwischen Straßen und Streifen durch Kunst, vor allem Architektur, zerstörte, da Architektur die Kunst des Lebens ist .

Unter den Modedesignern ist Coco Chanel am besten für ihren Stil bekannt, der mit den Ideen von Loos übereinstimmt (dieses Konzept und diese Beziehung werden im nächsten Kapitel dieser Studie weiter untersucht).

Loos 'Hauptbedeutung für diese Studie ist jedoch, dass er es war der erste unter denen, die die Beziehung zwischen Mode und Architektur scharf erklärten.

Seit Louis Sullivan gefordert hat, ". sich jahrelang gänzlich von der Verwendung des Ornaments zu distanzieren, damit sich unser Denken akut auf die Herstellung von wohlgeformten und nackteren Gebäuden konzentriert" (wir könnten auch Adolf hinzufügen Loos 'Vorschlag, Ornament mit Verbrechen und Primitivismus [10] zu verbinden, bis Moussavis Arbeit über die Funktion der Ornament- und Domeise-Ausstellung für Re-Sampling-Ornamente, vor kurzem Ornament, war in Architekturkreisen jahrzehntelang ein schmutziges Wort.

In der Tat wurde Ornament von den Modern Architects mit Geschlecht, hauptsächlich Weiblichkeit und Sexualität assoziiert und daher sollte es weggelassen werden und FORM ist FUNKTION ZU FOLGEN. Dieser Funktionalismus, wie Loos es ausdrückt, für die Architektur der Moderne ist, dass das Haus nichts dem Äußeren erzählen muss; stattdessen muss sein gesamter Reichtum im Inneren manifestiert werden (zitiert aus Colomina: 1996, S.

32). Colomina erklärt weiter, dass das Äußere nur das Cover des Buches ist, es ist Kleidung, es ist eine Maske. Im Inneren ist es jedoch eine Meditation zwischen dem Raum und dem Individuum. Während Mode die grafische Übersetzung des individuellen menschlichen Körpers ist, ist Architektur die nonverbale Kommunikation zwischen Raum und Gesellschaft. Mode als Maske befriedigt unser Streben nach Individualität im Kontext einer Gesellschaft, während die architektonische Konstruktion ein Werkzeug ist, um das Bedürfnis nach Isolation zu befriedigen, es ist die wahre Zuflucht.

Während die Mode in der Gesellschaft einheitlich ist, lehnt das architektonische Manifest Einschränkungen ab. Diese Disjunktion bringt die Verweigerung von Modefähigkeiten wie in Le Corbusiers Statement zum Ausdruck:

Was wir in der Kunst ausdrücken wollten, war das Universelle und das Permanente und um den Hunden das Schwebende und das Modische zu schenken. [11]

Doch mit Chanels Antwort auf diesen Funktionalismus kann es in ihrem "kleinen schwarzen Kleid", das ein Partykleid mit Accessoires wie einer Perlenkette sein kann, auch als Tageskleid mit einer Strickjacke oder einfach getragen getragen werden Man sagt, dass sich Mode in den Bereichen der Architektur anfühlt, oder, wenn man Le Corbusiers Aussage oben betrachtet, können wir sagen, dass die Mode in den Raum der Architektur eindrang.

Diese Ironie, einerseits, während architektonische Ideen versuchten, der Mode zu entkommen, verehrten Modedesigner wie Chanel, Schiaparelli und Dior architektonische Ideen über den Funktionalismus und ließen Ornamente und angewandte architektonische Stile in ihren Entwürfen aus Hand, während sie sagte, wie hässlich die weibliche Mode, Architekten nicht weg von Mode Raum.

Kunst, Handwerk, Architektur, Stil für alle

Die obigen Ideen fassen das Bauhaus (und den Internationalen Stil nach dem Zweiten Weltkrieg und die Migration von Bauhaus-Mitgliedern in andere Länder, hauptsächlich USA) zusammen, um durch rationale Gestaltung rationale Gesellschaften zu schaffen.

Das Bauhaus war eine revolutionäre Schule für Kunst, Architektur und Design, die 1919 vom Pionier Walter Gropius in Weimar in Deutschland gegründet wurde (Tate Modern). Es war ein Ort des Lernens und der Umsetzung, wo die Grenzen zwischen Kunst und Wissenschaft und Mensch und Maschine beseitigt wurden. Dieses Designproblem beschränkte sich nicht nur auf die Architektur, sondern beinhaltete fast alle Bereiche der Kunst und des Designs, wie das Entwerfen von Fabriken, ihre Kataloge und sogar Schreibwaren, oder das Entwerfen von Häusern und Büros, ihren Möbeln, Gemälden usw.

(aus dem Manifest Bauhaus von Gropius). Die Idee ist einfach: Um das Universum zu vereinen, als Künstler müssen wir unsere Stile und den internationalen Stil vereinen, könnte dafür einen Rahmen bieten. Die Prinzipien sind: unten mit Grenzen, oben mit dem Gitter, keine gekrümmten Linien, so dass Kunst für das Universelle kollektiv sein wird, und die allgemeine Grammatik der Form wäre Geometrie [12]. Der Bühnenworkshop war eine Interaktion zwischen allen darstellenden Künsten, d.





H. Musik, Tanz, Theater. Geführt von Schlemmer (Architekt, Maler, Maler, Designer) wurden Bauhaus-Kostüme entworfen, um den philosophischen und kompositorischen Ausdruck der wichtigsten Körpertypen auszudrücken: rein, klar und sauber.

Kostüm, Architektur, Körper und Raum waren für Schlemmer dynamisch und untrennbar miteinander verbunden.

"Sein einziges Thema war die menschliche Figur. Er reduzierte sich zu puppenhaften, zweidimensionalen Formen, die den menschlichen Körper als perfektes System von Proportionen und Funktionen analog zum Maschinenzeitalter ausdrücken "(Webseite des Bauhaus-Archivs). Schlemmers Kostümentwürfe waren verspielt und störend, und restriktiv für den menschlichen Körper, der seine Kostüme bewohnte, was Schlemmers Theorie widerspiegelt, dass menschliche Typen künstliche Konstruktionen waren.

Die Funktion des Kostüms besteht darin, die Identität des Körpers zu betonen oder zu verändern. Das Kostüm drückt die Natur des Körpers aus oder führt uns bewusst in die Richtung (aus: Geschichte des modernen Theaters, Emory University). Die am Bauhaus entworfenen Skekturen Körper und Kostüme werden im nächsten Kapitel weiter erforscht und kritisiert. Aus chronologischer Sicht ist die wahre Schönheit der Bauhaus-Bewegung laut Autor Ludwig Mies van der Rohe:

weniger ist mehr [13]

Das Konzept ist Einfachheit und Klarheit führt zu hochwertigem Design.

Aus der Perspektive eines Architekten ist es eine Arbeitsmethode, in der Ästhetik auf einfache Weise und ohne unnötige Elemente zu erstaunen sucht. Die Räume sind angepasst an eine Idee des Lebens, die einfach sein soll, die Wände linear, die Böden mit einer glatten Textur und als Ganzes die Struktur, die Faszination ermöglicht.

Die Tugend ist Abwesenheit, Abwesenheit von Ornament, unnötige Details, die mehr Empfindung ergeben. Da weniger Elemente weniger Möglichkeiten bedeuten, ist minimalistische Architektur schwieriger zu erreichen. So repräsentiert es die Ästhetik der Stille, des Raumes der Kultur.

Die Raumfunktionen schaffen eine Probe mit dem Geist und isolieren uns von außen.

Die Moderne und ihre Prinzipien als architektonische Bewegung waren gut aufgestellt, wie es in den Diktaten, Manifesten und Praktiken der Gelehrten und Designer betont wurde. Zwei Paradoxe können hier jedoch beobachtet werden: Erstens wurden die Prinzipien zwar gut aufgestellt und kommuniziert, aber ihre Auswirkungen wurden von Land zu Land abgelenkt (hauptsächlich aufgrund von Umgangsformen und Behausungen dieser Orte), weshalb ein einheitliches Design nicht umgesetzt werden konnteobwohl das Wort "modern" sich auf zeitgenössisch bezieht, zeitgenössisch ist, die Entwicklungen annimmt usw.

Modernistische Architekten waren in ihren Prinzipien als die einzig annehmbare Wahrheit in Designfragen utopischer.

Haut und Knochen, das ist Architektur, keine Nadeln

In den folgenden Jahren, mit Ludwig Mies van der Rohes Revolution, dem Glashaus, wurden die Prinzipien der modernen Architektur, also Funktionalität, Konkretheit, Transparenz, Sauberkeit und Leichtigkeit, lebendig.

Sein Motto "weniger ist mehr" verkörpert die Idee eines weniger strukturellen Rahmens mit mehr Raum. Obwohl die Prinzipien der modernen Architektur bestehen blieben, sollte Le Corbusiers "Weiße Welt" durch die "Kristalllinie" von Mies ersetzt werden, doch die Grundidee blieb die gleiche: Purismus in seinem Herzen.

Mies schlug sein oberstes Material vor, als Tafelglas, das Leichtigkeit und Transparenz bedeutete. Mies 'Besessenheit mit seiner Überzeugung, dass die einzige Rettung der Architektur in seiner Glasarchitektur existierte, war die Kommerzialisierung, oder anders gesagt, billige Architektur, die im letzten Kapitel dieser Arbeit diskutiert wird.

Obwohl die Prinzipien der modernistischen Architektur sehr gut festgelegt waren, erkannten Robert Venturi, Denise Scott Brown und Steven Izenour 1968 bei einer Reise nach Las Vegas an, dass Zeichen und Symbole an die Stelle des Ornaments getreten waren, was sie als eine Art Bruch von der modernistische Architektur.

Tatsächlich schlug Venturi vor, von außen nach innen zu planen, im Gegensatz zu den Entwürfen der modernistischen Architekten von innen nach außen. In seinen Worten, "Form beherbergt Funktion", womit sie "Architektur als ein Volksmund Loft ist nicht interessant, Oberfläche ist interessant, die verzierte Oberfläche, lassen Sie uns Symbole, Ikonographie und Ornament". Sie stellen fest, dass die "heroische und originelle" (moderne) Architektur nicht mehr relevant ist, da sie nicht mit expliziten Symbolen gesprochen hat, die die meisten Menschen verstehen könnten.Sie zeichneten zwei Arten von architektonischem Raum: "das kleine Gebäude mit großem Schild (dekorierter Schuppen)" und "Gebäude als Zeichen (Ente)".

Auf der anderen Seite, als visuelle Verschmutzung ein Problem wurde, betont Venturi Scott Brown, dass sie nicht den Wert (die Form) meinen, aber die Idee (Ikonographie als Ornament) ist wichtig.

Die Behauptungen von Venturi und Associates sind sehr wichtig in Bezug auf die kreisende Idee von Ornament und Ikonographie in der Architektur, die in der Moderne ausgelassen wurden. Im Gegensatz zu den vorherigen Perioden, vor allem dem klassischen Stil, sagen sie, dass man dem Original den Vorzug geben könnte.

Das Anliegen dieser Arbeit ist jedoch keine soziologische Perspektive, da sich A & F in der heutigen Zeit aus dem soziologischen Phänomen entwickelt hat, muss hier angemerkt werden, dass Learning from Las Vegas uns lehrt, "nicht vom Pop zu lernen", sowohl Architektur als auch Mode Als Reaktion auf die gemeinsamen Werte der Gesellschaft, z.

B. Politik, Wissenschaft, Technologie usw., könnte man sagen, dass das, was Venturi und seine Gefährten auf dem Las Vegas Strip beobachteten, mit dem Nachkriegsjahr in Verbindung gebracht werden könnte II Aufstieg des Konsumismus und Pop Art.

Venturis Ruf nach Zeichen und Symbolen als Ornament wurde durch Pop Art beantwortet oder umgekehrt, dass die 1960er Jahre und das spätere Jahrzehnt von ihm dominiert wurden.

Die gedruckten Medien, die Leichtigkeit, Zeichen zu produzieren, die Technologie zur Reproduktion von Kunst (einschließlich architektonischer Designarbeiten), Massenproduktion, Konsumismus, Marktüberlegung statt Inspiration usw., alles produzierte Massenkultur.

Kunst wurde zu einem unmittelbaren Ereignis und nicht zu einem Fortschritt, und all dies wurde als Freiheit, Freiheit oder Utopie bezeichnet.

Die 1960er und 1970er Jahre wurden von vielen Wissenschaftlern als das Zeitalter der Medien geprägt, das Zeitalter der Medien, der Massenproduktion, des schnellen Konsums usw., das die Globalisierung im nächsten Jahrzehnt ganz und gar anführte.

Obwohl wir mit den Ideen von Venturis heute nicht einverstanden sind, was der Hauptteil unserer Argumentation ist, ist die Arbeit von Venturis für diese Studie sehr wichtig: Architektur gegen die Mode, speziell Branding Mode.

Erstens, im Gegensatz zu dem Ziel der Moderne, die Gesellschaft aufzuklären - die Stadt (und damit die Gesellschaft) durch Ideale, Philosophie, Kunsterziehung usw.

zu unterrichten, lernte Venturis aus der Stadt und der Umgebung, ob sie Raffinesse darstellten oder nicht. In ihren Worten bevorzugten sie das Lernen vom Gewöhnlichen, da es dich dazu bringen kann, das Außergewöhnliche zu lernen.

Zweitens bedeutet das Zeichen, ein Gemälde zu werden, auch, dass Kunst durch Handwerk ersetzt wird, und wenn wir dies als Architektur im Stadtraum betrachten, könnten wir mutig sagen, dass Gefühle durch Reproduktion ersetzt werden, da sich Zeichen leicht reproduzieren lassen.

Drittens, sind Werbetafeln, wie sie behaupten, fast richtig, nicht die Produktion von Massenkultur?

Wenn Architektur auf Werbetafeln reduziert wird, was wird die Lücke zwischen Architektur und Leben füllen?

Niemand, der in der Steinzeit lebte, würde wissen, dass er in der Steinzeit lebte. Er würde glauben, dass er in der Moderne lebte.

Heute glauben wir, dass wir in der Moderne leben. Die Zeit wird es zeigen [15]

Dennoch ist Venturis Aussage in gewissem Sinne wahr, aber Architektur als Reflexion der gesellschaftlichen Probleme könnte auch temporär sein, da sich auch Gesellschaften schnell verändern. Betrachtet man die ständigen Veränderungen in den Silhouetten der Städte, fast in jeder Periode, in der die Gesellschaft deprimiert ist (wie im Falle Londons in der aktuellen Finanzkrise), kann man sagen, dass Architektur in der heutigen Zeit auch temporär ist.

Venturi (1966) (der den Begriff "weniger ist ein Langweiler" geprägt hat) war nicht der einzige, der sich von den weniger gelangweilt fühlte, die Wirtschaftskrisen der 1970er Jahre, die zur Liberalisierung der 1980er führten, verursachten auch die sozialen Krisen.

Venturi schlug vor, dass Gebäude, die versuchten, nicht-historisch zu sein, irgendwie nicht so reich oder so interessant waren wie jene, die der Vergangenheit bewusst zunickten oder sie entlehnten. In ähnlicher Weise unterstützte Charles Jencks auch die Idee, dass den modernistischen Strukturen die Vitalität und Vielfalt fehlte, die Seele in die Stadtlandschaft bringen. Er hat das gesagt:

Glücklicherweise können wir den Tod der modernen Architektur zu einem genauen Zeitpunkt datieren .

.Moderne Architektur starb am 15.





Juli 1972 um 15.32 Uhr in St. Louis, Missouri. (oder etwa da), als das berüchtigte Pruitt-Igoe-Schema, oder besser gesagt einige seiner Blockblöcke, durch Dynamit den letzten Gnadenstoß erhielten

Was die Mode anbelangt, so wurde diese fröhliche Bewegung mit Mary Quintins Miniröcken, schicken Kleidern, Disco-Kleidern und bunten Kleidern gefeiert, die man "totale Freiheit" oder "vollständiges Chaos" nennen kann.

Auch die Mode entwickelte sich in der gleichen Weise: die Formalität wurde abgeschafft und die legere Kleidung wurde gefördert. Das offensichtlichste Beispiel dafür sind die sogenannten Mods, die die Moderne als Lebensstil betrachten. Obwohl Mod in den späten 60ern auftrat, bezieht er sich auf den Modernismus und kann als eine Reaktion der jungen Leute gegen die komplexen Lebensstile der 60er Jahre verstanden werden.

Das spätere Jahrzehnt, 1970er Jahre, das durch die oben erwähnten sozialen Bedingungen gekennzeichnet war, wurde farbenfroher, aber nicht unbedingt stilvoll oder qualitätsmäßig geprägt als "das Jahrzehnt, das der Geschmack vergaß" geprägt. Die zeitgenössische Ära, beginnend mit der Globalisierungswelle der 80er Jahre, wird Gegenstand des 3.

Kapitels dieser Studie und des Katalogs sein.

Kurz gesagt, die Moderne hat die Moderne als Ergebnis der Massenkultur überwunden. Obwohl die Mode der Architektur folgte (sollten wir die Architektur durch die bunten Zeichen und Symbole von Las Vegas symbolisieren), war die Moderne der Moderne mit der Moderne vergleichbar, wie Robert Venturi, der bekannteste Gegner der modernistischen Architektur, sagt:

Kleider sind zerbrechlicher als Gebäude und ihr Design kann sich schneller entwickeln.

Kleidung ist von Natur aus temporär, und Architektur ist von Natur aus so dauerhaft wie alles Menschliche in der Realität.

Wir ändern unsere Kleidung. aber Architektur ist eine umgebende Konstante.

In chronologischer Hinsicht könnte unsere Literaturübersicht folgendermaßen zusammengefasst werden.

Die Beziehung zwischen Bauen und Kleidung begann damit, dass der früheste Mann die gleichen Materialien benutzte, um sich selbst zu schützen und zu kleiden.

Nach der frühesten Quelle Vitruvius (um 25 v. Chr.) Wurden Körper und Architektur nach Proportionen untersucht, so dass für eine richtige Architektur die menschliche figurative Verzierung Angemessenheit darstellte.

Auf der anderen Seite, da perfekte Schönheit in der Natur selten ist, wurde Ornament als ein vermittelndes Element zwischen dem natürlichen und künstlichen verwendet. Anfangs war diese Verzierung alles, was der Gott schuf (Ruskin).

Die modischen ornamentalen "Ausschweifungen" des Rokoko und des Gotik-Mittelalters schufen jedoch einen architektonischen Mangel für einen Aufruf zur Ornamentik.

Die ornamentale Debatte hat sich bis zur Moderne fortgesetzt.

Gottfried Sempers Evolutionstheorie beschäftigte sich weiter mit dem Verhältnis von Bauen und Textil in Bezug auf Wandmaterial und entwickelte seine Bekleidungstheorie, da Kleidung in enger Beziehung zur Architektur gesehen wurde. Sempers Theorie wurde von Adolf Loos und anderen Modernisten weiterentwickelt, um das Ornament wegzulassen und die Stadt zu gestalten. Ursprünglich repräsentierte die Mode die Weiblichkeit, die Architektur die Männlichkeit und die Architektur sollte sich von der Mode fern halten.

Paradoxerweise beschäftigten sich viele moderne Architekten jedoch mit der Mode, indem sie darauf schreiben oder sie gestalten. Während die Architektur Mode und Mode in der Moderne ablehnte, verehrten Modedesigner ihre Ideen und setzten sie um.

Gabriel (Coco) Chanel war die berühmteste Modedesignerin auf diese Art und sie war auch berühmt für ihre Bewunderung für Loos 'Ideen. In der Tat könnten wir von oben sagen, dass die modernistischen Architekten der Mode nicht entkommen sind; in der Tat, sie prägten die Mode (zumindest funktionierte das).

Die folgende Ära hat schnelle Veränderungen in der Medien- und Massenproduktion erlebt und somit Konsumismus und Massenkultur hervorgebracht.

Infolgedessen wurde die von der Moderne angestrebte Ordnung und Ausgereiftheit durch die Idee ersetzt, die Kultur zu konsumieren, anstatt sie zu produzieren. In diesem Sinne entwickelten sich Architektur und Mode in den 1960er und 70er Jahren entsprechend.

Aus dem bescheidenen Überblick dieser Studie wurde bis zu diesem Zeitpunkt keine enge Beziehung zwischen Architektur und Mode beobachtet.

Wir persönlich und als Architekturwissenschaftler beobachten jedoch eine sehr enge Beziehung zwischen diesen beiden Disziplinen. Daher sollen im nächsten Kapitel im Rahmen der Einleitung dieser Studie diese Zusammenhänge untersucht und die Ergebnisse untersucht werden.

Semiotik

Da Mode und Architektur die Kultur und Identität widerspiegeln, würde das Entwicklungsniveau der Gesellschaften sicherlich die Gestaltungskonzepte und -möglichkeiten beeinflussen.

In einer Weise, die Identität eines Individuums zu präsentieren, teilen beide Berufe die Idee:

Der menschliche Körper und die Ideen von Raum, Volumen und Bewegung "und auch, weil beide eine Schicht sind, die zwischen der Umwelt und dem Körper mit der Fähigkeit kommuniziert, Identität auf der persönlichen, politischen, kulturellen und anderen Ebenen des Lebens und der Gesellschaft zu vermitteln.

Vom Standpunkt der Soziologie, der Mode oder in einem weiteren Sinn kann die weibliche Kleidung als visuelle Repräsentation ihres ästhetischen Geschmacks angesehen werden, während die Modernisten des frühen zwanzigsten Jahrhunderts mit einigen Ausnahmen, wie Le Corbusiers Le Modulor, visuelle Bezüge zum Körper ignorierten ; stattdessen konzentrierten sie sich auf die Handlungen des Körpers.

Die höhere Schnittmenge zwischen Architektur und Mode wurde nach der Moderne beobachtet, besser gesagt als "Spätmoderne".

Während die früheren Perioden von Zeichnungen und Illustrationen abhingen, erlebte die Moderne mehrere Entwicklungen in der Bildsprache, wie Fotografie, Film und Fernsehen.

Das große Versprechen der Fotografie war, dass es die "Wahrheit" sagen würde. Doch die "Wahrheit" der Fotografie ist nur eine überzeugendere Illusion, Auswahl und Künstlichkeit, die hinter der scheinbaren Unvoreingenommenheit des mechanischen Auges lauert.

Modeillustrationen geben oft genauere Informationen, doch das fotografische Bild hat das Gefühl moderner Kleidung erfasst und beeinflusst.

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